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人的胸怀决定艺术格局

2019-08-17 07:00:00  21世纪经济报道 齐向鹏

齐向鹏

科学技术的更新,近百年来呈加速度的状态朝前奔跑,稍不留神,人们就被甩在后面。然而艺术精神的发展和传承却不尽然,中外千年前流传至今的某些艺术思想和精神,放到现在也是适用、合理的。例如中国“气韵生动”的艺术精神,千年之后依然被艺术界所追捧。《艺术精神:一本给艺术爱好者的美学手札》这本书,虽然90多年前就公开出版,然而今天重读,书中的很多主张和见解,依然闪耀着智慧的光芒。

本书作者罗伯特·亨利(1865-1929)是著名艺术家、教育家,曾经执教宾夕法尼亚美术学院,他反对学院派经院式的死板艺术,主张艺术自由,善于捕捉瞬间的动作和精神,其画作富有感染力。本书由随笔、笔记、评论、信函、演讲稿等组成,在这些不同的文章中,亨利阐释了自己对艺术的理解和认知。将近一个世纪过去了,阅读书中的篇章,感觉时间似乎凝滞了,一位智者就坐在眼前,与我们侃侃而谈。

真正砥砺人心的艺术作品,并不会随着时光的流逝而暗淡。亨利身为油画家,对于绘画的分析和阐释,占据了全书相当大的篇幅。中国古代绘画体系中,鼓励画家们对描绘的对象进行反复体悟,由形到神细致揣摩。即便是画家身处名山大川,也只是认真地看,不轻易动笔,把山的形态特征牢记在心,然后在纸上一气呵成画出来。而西方绘画一直强调写生的重要性,写生是培养观察能力、造型能力和审美能力的重要途径,是西方绘画的必经之门。写生的过程,要求画者面对描绘的对象进行客观真实的呈现。

写生固然是提升绘画技能的有效方式,但是亨利在书中强调,学会全面地观察描绘的对象格外重要。如果画家长时间地盯着描绘对象,第一印象就会慢慢磨损、减弱,反复对同一对象进行描绘,画作难免呆板。长时间地写生,会使画作最后显得僵硬,失去灵动之美。亨利主张初学绘画的学生,要深入观察描绘的对象,比如描绘人物肖像,不是仅仅盯着五官看,还要从多个角度观察头部的特征,抓准人物的造型特点。现在看来,亨利的见解对于习画之人而言,同样具有现实的针对性,因为他所指出的这些问题,在今天依然普遍存在。

书中,亨利鼓励学生要“凭着记忆去画画”,这和西方长期倡导的写生看上去是悖离的,其实深入分析,也并不矛盾。笔者认为:他所倡导的这个观点,和中国古代绘画思想不谋而合。例如画风景,同样是画一座山,但是早中晚的光线是变化的,那么眼前的景致也是不同的。如此而言,画家描绘的风景,并不是照相机简单复制的物象,而是画出心中的风景,每个画家面对同样的风景,由于内心的感受、情绪、理解不同,那么画出来的风景差异是非常明显的,风格也各不相同。亨利继而告诫学生,画画要遵从内心的真实感受和情感,画自己想画的作品。唯有如此,才能避开千篇一律的画法,找到属于自己的一片风景。

任何一个从事艺术创作的人,总是期望自己的艺术作品受到社会公众的认同,这是人之常情。但是也有人剑走偏锋,为了获得社会的认可,在艺术创作的主题、风格、形式等方面,一味地投其所好。亨利以为:为了赢得他人的赏识而违背自己的意愿是不可取的,若艺术家都这么干,最后艺术创作只会陷入被动的状态,必须引起足够的警惕。

这一点在今天也应该引起重视。比如在各类大型美展中,初出茅庐的画家为了早日出人头地,时常“委屈”自己的真实感受,创作一些陌生的题材。前些年画坛流行青藏高原的主题创作,很多画家纷纷去采风,画高原的景和物,其中不乏优秀的画作,但是相当一部分的年轻画家,对于青藏高原的认知是陌生或浅显的,再则他们对于这种题材没有太多的激情,完全跟风创作,肯定得不偿失。

艺术创作不能随波逐流,要开创自己的领地。在这个方面,国外的梵高、莫奈、马蒂斯如此,国内的黄宾虹、关山月、傅抱石也是如此。如前段时期离世的画家刘文西,60多年来关注陕北、行走陕北、描绘陕北,对于陕北的群众、山山水水充满深厚的感情,他的画作主题永远都是陕北的人和景,无论是水墨画,还是寥寥数笔的素描和速写,充满陕北的温度和气息,艺术的张力得到充分彰显。

书中还有诸多观点给人带来启发。如:“美,无法复制”“美,是观看者心中的愉悦感”“艺术最终是语言的一种延伸,用以表达文字无法传达的微妙感受”等等。对于何为艺术精神,每个人的学养不同、眼界不同,其理解也各不相同,可我们要深信:人的胸怀有多大,艺术的格局就有多大,艺术创作具有强烈的个人色彩,无论从事何种形式的创作,对于自然、生活和人生需要虔诚,敞开心扉表达真情实感,创作才会呈现独有的艺术气象。

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